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Musik Leben Unterwegs

Surf’s Up — In memoriam Brian Wilson

Die Son­ne mach­te sich gera­de bereit, sich das Prä­fix „Abend-“ über­zu­wer­fen und, wenn auch schon tief ste­hend, den Tag wür­de­voll abzu­run­den. Am Strand wäre es sicher­lich noch mal bedeu­tend schö­ner gewe­sen (so wie es am Meer immer schö­ner ist) als am Ran­de der Bochu­mer Innen­stadt, aber da wären wir jetzt nicht so schnell hin­ge­kom­men, außer­dem war Abend­essens­zeit und als wir uns an den Tisch setz­ten, frag­te ich also mei­nen Sohn, ob er jetzt bereit sei für mein klei­nes Impuls­re­fe­rat über Bri­an Wil­son und die Beach Boys.

Eine Stun­de zuvor war die Nach­richt auf mei­nem Smart­phone ein­ge­gan­gen, dass Wil­son, einer der Pio­nie­re der Pop­mu­sik im 20. Jahr­hun­dert; einer der aller­größ­ten Künst­ler der Pop­kul­tur; ich zöge­re nicht zu sagen: einer der Göt­ter der schö­nen Küns­te, im Alter von 82 Jah­ren gestor­ben war. Die Spo­ti­fy-Play­list „This Is The Beach Boys“ hat­te also schon die Zube­rei­tung unse­res Abend­essens laut­stark unter­malt.

Strand von Scheveningen, Niederlande

Wäh­rend wir Hähn­chen­brust mit Thy­mi­an und Gnoc­chi mit Lauch – ein ange­mes­sen som­mer­li­ches Gericht – aßen, muss­te das Kind nun erdul­den, wie ich ihm von der Grün­dung der Beach Boys durch die Gebrü­der Wil­son und ihren Cou­sin berich­te­te; davon, wie Bri­an Wil­son Ein­flüs­se aus Rock ’n‘ Roll, R&B und Bar­ber­shop-Gesang auf bis­her unbe­kann­te Art kom­bi­niert und damit die moder­ne Pop­mu­sik min­des­tens mit-erfun­den hat­te; wie wir Ein­flüs­se von Beach-Boys-Kom­po­si­tio­nen auch heu­te noch in den Songs unse­rer Lieb­lings-Car­toon-Serie „Phi­ne­as & Ferb“ wie­der­fin­den könn­ten. Ich erzähl­te von Bri­an Wil­sons psy­chi­schen Pro­ble­men, sei­nem Aus­stieg aus dem Tour-Leben und den Jah­ren, die der Musi­ker qua­si nur im Bett ver­bracht hat­te — ein so absur­der und pop­kul­tu­rell bedeut­sa­mer Fakt, dass die Baren­aked Ladies ihm in den Neun­zi­gern einen gan­zen Song wid­me­ten, den Wil­son selbst, eini­ger­ma­ßen gene­sen, eini­ge Jah­re spä­ter covern soll­te.


Die Musik der Beach Boys war in mei­ner Kind­heit so all­ge­gen­wär­tig, dass ich gar nicht sagen könn­te, wo sie mir erst­mals begeg­net ist. Viel­leicht im „Babybel“-Werbespot der frü­hen 1990er Jah­re, in dem der wachs­ver­klei­de­te Mini­kä­se auf die Melo­die von „Bar­ba­ra-Ann“ (übri­gens kei­ne Wil­son-Kom­po­si­ti­on) besun­gen wur­de; viel­leicht durch die ein­ge­deutsch­ten Ver­sio­nen ihrer Hits durch eine Band namens – I kid you not – Strand­jungs, die damals im Radio lie­fen (aus „Sur­fin‘ USA“ wur­de etwa „Sur­fen auf­’m Bag­ger­see“ — übri­gens mit mei­nem heu­ti­gen „MoMa“-Kollegen Peter Groß­mann am Mikro­fon); viel­leicht durch „Koko­mo“, die­sen objek­tiv furcht­ba­ren – und Bri­an-Wil­son-frei­en – Ohr­wurm aus dem Tom-Crui­se-Film „Cock­tail“;  viel­leicht durch die maxi­mal unse­riö­se „Super Hits“-CD aus den Wild­west-Tagen der Musik­in­dus­trie, die mein Vater besaß und die sich extrem auf das Surf-las­ti­ge Früh­werk der Band fokus­sier­te. Ver­dammt: Sogar bei „Hal­lo Spen­cer“, der NDR-Ant­wort auf die „Mup­pet Show“, tauch­te eine Band auf, die Quietsch­beus hieß!

Maximal unseriöse „Super Hits“-CD der Beach Boys

Als ich dann selbst tief ein­tauch­te in die Welt der Pop­kul­tur führ­te natür­lich gar kein Weg mehr an Bri­an Wil­son und den Beach Boys vor­bei: In den Sound­tracks von „Almost Famous“, „Vanil­la Sky“ und sogar „Das Expe­ri­ment“, in den Musik­zeit­schrif­ten, die ich ver­schlang, erst recht in der Musik, die ich hör­te und lieb­te. Ben Folds Five, The Ramo­nes, Tra­vis und so vie­le ande­re Bands wür­den nicht so klin­gen, wie sie klan­gen, wenn sie nicht auf die Wilson’schen Chor-Arran­ge­ments und Har­mo­nien hät­ten zurück­grei­fen kön­nen.

Ihre Songs waren so groß und teil­wei­se syn­onym mit Lie­be, dass Neil Han­non von The Divi­ne Come­dy in sei­nem Mehr­fach-Meta-Lie­bes­lied zwei bedeu­ten­de Zuta­ten für den „Per­fect Love­song” aus­mach­te: „A divi­ne Beat­les bass­li­ne /​ And a big old Beach Boys sound“. Mir ist genau heu­te auf­ge­fal­len, dass „Remem­ber“ von Air aus­gie­big den Beach-Boys-Song „Do It Again“ sam­plet.

Man kann eigent­lich fast jeden Song aus ihrem Gesamt­werk hören – und glaubt mir, ich arbei­te seit ges­tern Abend inten­siv dar­an! – und wird immer einen ande­ren, spä­te­ren Song fin­den, der mehr oder weni­ger deut­lich dar­an erin­nert (aller­dings auch etli­che frü­he­re Songs, bei denen sich Bri­an Wil­son und sei­ne Band­mit­glie­der bedient hat­ten).

Ich hab mich immer schon min­des­tens so sehr für die Hin­ter­grün­de und Ent­ste­hungs­pro­zes­se von Pop­kul­tur inter­es­siert wie für das eigent­li­che Werk und Bri­an Wil­son ist da in den 1960er Jah­ren etwas gelun­gen, was in die­ser Form sonst eigent­lich nur die Beat­les beherrsch­ten: Die Pro­duk­ti­ons­tech­ni­ken immer zu erwei­tern und die Gren­zen des Kon­zepts „Pop­song“ per­ma­nent zu ver­schie­ben und dabei immer noch Musik zu erschaf­fen, die einen ein­fach nicht kalt­las­sen kann. Das, was bei ande­ren in unschö­nem Mucker-Voka­bu­lar wie „Rock-Oper“ oder „Kon­zept­al­bum“ gip­fel­te, waren bei ihm immer noch Pop­songs — unend­lich kom­pli­ziert, so dass sie Men­schen, die sich mit Musik­pro­duk­ti­on oder Kom­po­si­ti­on beschäf­ti­gen, noch heu­te als Anschau­ungs­ma­te­ri­al die­nen, dabei aber immer noch so ein­deu­tig Pop, dass ich von den eige­nen Groß­el­tern bis zu mei­nem damals neu­ge­bo­re­nen Sohn wider­spruchs­los alle damit beschal­len konn­te.


Jan Wie­le ist für sei­nen Wil­son-Nach­ruf bei FAZ.net auf die – viel­leicht nicht wahn­sin­nig ori­gi­nel­le, aber wich­ti­ge – Idee gekom­men, den Tod von Bri­an Wil­son (und den von Sly Stone weni­ge Tage zuvor) mit der aktu­el­len Situa­ti­on in Kali­for­ni­en zu ver­schnei­den: Dass die­se bei­den Musi­ker, „die bei­de auf ihre Wei­se für kali­for­ni­sche Träu­me stan­den“, nun aus­ge­rech­net in jenen Tagen ster­ben muss­ten, in denen Donald Trump die Natio­nal­gar­de im frei­heits­lie­ben­den „Gol­den Sta­te“ auf­mar­schie­ren und Pro­tes­te gegen sei­ne unmensch­li­che Abschie­be­po­li­tik nie­der­schla­gen lässt, muss einem schon sym­bo­lisch vor­kom­men.

Strand von Santa Cruz, CA

Kali­for­ni­en – der ein­zi­ge USA-Bun­des­staat, der bis heu­te einen eigen­stän­di­gen deut­schen Namen hat – prägt für die meis­ten von uns Aus­län­dern das Ame­ri­ka­bild wie maxi­mal noch New York City. Der Staat ist gleich­zei­tig pars pro toto für die USA und unend­lich weit weg von den red­necks im fly-over coun­try. Es ist die Geschich­te des Gold­rauschs, der Enter­tain­ment-Indus­trie, des Inter­nets in all sei­nen befrei­en­den und beun­ru­hi­gen­den Aggre­gat­for­men, die vom Paci­fic Coast High­way und die vom Strand. Die Beach Boys haben – auch wenn jetzt wie­der über­all zu lesen ist, dass ja nur Bri­ans Bru­der Den­nis, der Schlag­zeu­ger der Band, wirk­lich Sur­fer war – Kali­for­ni­en und damit die USA auf eine Art erfun­den und zur Mar­ke gemacht.

In den ers­ten Zei­len von „Fun, Fun, Fun“ – einem Song, der den Spaß der­art ernst nimmt, dass er ihn gleich drei­mal im Titel trägt – singt Mike Love „Well, she got her daddy’s car /​ And she crui­sed through the ham­bur­ger stand now“ und skiz­ziert damit – von der unend­lich genia­len Phra­sie­rung von „ham­bur­ger stand now“ mal ganz ab – das, was Men­schen, die sich nicht näher für die USA inter­es­sier­ten, über Jahr­zehn­te über die USA dach­ten: Autos und Fast Food. Wenn Du hier einen Pflock in die Erde schlägst, bil­det er eine Linie mit Geor­ge Lucas‘ „Ame­ri­can Graf­fi­ti“ und wei­ten Tei­len von Quen­ti­on Taran­ti­nos „Pulp Fic­tion“. Dass der Song im Früh­jahr 1964 erschien, zwei­ein­halb Mona­te nach der Ermor­dung von John F. Ken­ne­dy, zu einer Zeit, als der Viet­nam­krieg gera­de anfing, rich­tig unschön zu wer­den, ist Kon­text, der das Ame­ri­ka-Kli­schee per­fekt macht. Stu­die­ren­den­pro­tes­te an kali­for­ni­schen Uni­ver­si­tä­ten? The Beach Boys got you cover­ed.

Mein Kali­for­ni­en-Bild ist geprägt von den Besu­chen bei mei­ner Fami­lie, die in der San Fran­cis­co Bay Area, in Nor­Cal, lebt, weit weg von den ober­fläch­li­chen Show­biz-Leu­ten in SoCal (natür­lich ist auch Kali­for­ni­en noch ein­mal in sich gespal­ten, wenn auch nicht so tief wie der Rest der USA). Ich hab’s – von einem Aus­flug nach Dis­ney­land per Flug­zeug mal ab – nie wei­ter süd­lich geschafft als Big Sur. Und gleich­zei­tig ist der Mythos Süd­ka­li­for­ni­ens natür­lich auch tief in mein Herz ein­ge­ba­cken — durch „The O.C.“, die Red Hot Chi­li Pep­pers und die Bands von Andrew McMa­hon. Der ist gera­de auf Tour­nee, um das 20. Jubi­lä­um von „Ever­y­thing In Tran­sit“ zu fei­ern, und pos­te­te ges­tern sogleich ein Insta­gram-Reel, in dem er Wil­son gedach­te und des­sen Ein­fluss auf sein eige­nes Album wür­dig­te. Soll­te ich jemals mit mei­nem vor vier Jah­ren begon­ne­nen Solo­al­bum fer­tig wer­den, wird dar­auf ein Song ent­hal­ten sein, der „Cali­for­nia Girls“ heißt, den Mythos Kali­for­ni­en fei­ert und sich im Refrain natür­lich scham­los bei den Beach Boys bedient — man kann das Wort „Cali­for­nia“ ja nur im Satz­ge­sang sin­gen.


Ich bin mir rela­tiv sicher, dass ich das Meer auch ohne die Beach Boys lie­ben wür­de (ich fah­re nach Hol­land, seit ich zwei Jah­re alt bin!), aber die Melan­cho­lie, die jeden Strand­be­such umweht, die kommt wahr­schein­lich zu einem guten Teil von der Band.

Jens Bal­zer schafft es in sei­nem Nach­ruf bei „Zeit Online“, wirk­lich jeden Win­kel von Wil­sons Schaf­fen aus­zu­leuch­ten und doch per­sön­lich und mensch­lich zu schlie­ßen. Ann Powers, die gro­ße Pop-Erklä­re­rin bei „NPR Music“, erin­nert auch noch mal aus­führ­lich an die vie­len Her­aus­for­de­run­gen und Tief­schlä­ge im Leben des Man­nes, des­sen Musik für sehr ober­fläch­li­che Beobachter*innen vor allem für „Son­ne, Strand und gute Lau­ne“ stand.

Strand von Egmond Aan Zee, Niederlande

Dabei muss man ja nicht ein­mal zu „God Only Knows“, „I Just Was­n’t Made For The­se Times“ (schon der Titel!) oder „Surf’s Up“ grei­fen: Selbst „Fun, Fun, Fun“ hat eine bedroh­lich an eine Sire­ne erin­nern­de Hin­ter­grund­me­lo­die und der gan­ze Spaß endet, wenn Vati dem über­mü­ti­gen Mäd­chen die Auto­schlüs­sel weg­nimmt. Die­se Wider­sprüch­lich­keit des Lebens wird in „God Only Knows“ beson­ders deut­lich: Die ers­te Zei­le lau­tet – für ein Lie­bes­lied eher unge­wöhn­lich – „I may not always love you“; eine Tren­nung bedeu­te zwar nicht das Ende der Welt, aber ob und wie der Spre­cher her­nach wei­ter­le­ben kön­ne, dass wis­se nur Gott allein.

Bei Bob Dylan hat­te die Ant­wort auf alle wich­ti­gen Fra­gen ein paar Jah­re zuvor schon deut­lich irdi­scher im Wind geweht.

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Musik Leben

25 Jahre „Reload“

Die­ser Ein­trag ist Teil 8 von bis­her 10 in der Serie 1999

Im Jahr 1999 erschie­nen jede Men­ge Alben, die für unse­re Autor*innen prä­gend waren. Zu ihrem 25. Jubi­lä­um wol­len wir sie der Rei­he nach vor­stel­len.

Tom Jones - Reload (abfotografiert von Lukas Heinser)

Zum ers­ten Mal von Tom Jones gehört habe ich, wie ver­mut­lich die meis­ten Men­schen mei­ner Gene­ra­ti­on, in „Mars Attacks!“, dem über­se­he­nen Meis­ter­werk von Tim Bur­ton. In dem Film grei­fen Mar­sia­ner die Erde an und sie tun das unter ande­rem in Las Vegas, wäh­rend Tom Jones auf der Büh­ne eines Casi­no-Hotels steht und – natür­lich – „It’s Not Unu­su­al“ singt. Jones spielt sich selbst, er wird im wei­te­ren Ver­lauf des Films mit Annet­te Bening und Janice Rive­ra zu den Tahoe-Höh­len flie­hen und, nach­dem die Mar­sia­ner besiegt sind und ein Fal­ke auf sei­nem Arm gelan­det ist, erneut „It’s Not Unu­su­al“ anstim­men. Eines der Top-10-Enden der Film­ge­schich­te. (Falls Ihr „Mars Attacks!“ noch nie gese­hen habt: Es ist, seit ich mit 13 im Kino war, einer mei­ner abso­lu­ten Lieb­lings­fil­me. Auch mehr als 25 Jah­re spä­ter muss ich immer noch sagen: 10/​10, ein Meis­ter­werk für alle Zei­ten. Guckt ihn Euch an!)

Für mei­ne Eltern und ihre Gene­ra­ti­on war Tom Jones damals im Wesent­li­chen eine etwas abge­half­ter­te Witz­fi­gur, nicht unähn­lich den ehe­ma­li­gen Schla­ger­stars, die bei Baum­artk­er­öff­nun­gen san­gen. Es waren die zyni­schen 1990er und die Qua­li­tä­ten, die es braucht, um Las Vegas resi­den­ci­es und Baum­artk­er­öff­nun­gen zu bestehen, wur­den allen­falls von Götz Als­mann gewür­digt. Da konn­te auch sein Mini-Come­back von 1994 nichts dran ändern, als er gemein­sam mit The Art Of Noi­se „Kiss“ von Prin­ce cover­te und mit sei­ner Ver­si­on für nicht weni­ge Kri­ti­ker das Ori­gi­nal über­traf.

Womög­lich war es eine Mischung aus 1990er-„Ironie“ und Teen­ager-Trotz, aber irgend­wie fand ich Tom Jones cool. Ent­spre­chend über­rascht war ich, als ich im Herbst 1999 in einem Elek­tronik­markt ein neu­es Album von ihm sah, gemein­sam mit Gast­stars wie The Car­di­gans, Rob­bie Wil­liams, Nata­lie Imbru­glia und Sim­ply Red, die mir natür­lich etwas sag­ten. Irgend­wie muss ich auch erkannt haben, dass es sich um jede Men­ge Cover­ver­sio­nen und Neu­ein­spie­lun­gen han­del­te, denn ich war ent­täuscht, dass „It’s Not Unu­su­al“ nicht dabei war, und so habe ich die CD zu die­sem Zeit­punkt nicht gekauft.

Doch dann kam der Auf­tritt bei „Wet­ten, dass ..?“: Nina Pers­son und die Jungs hat­ten sich trotz aller eige­nen Chart­erfol­ge ver­mut­lich nie vor­ge­stellt, ein­mal in die­ser selt­sa­men deut­schen Fern­seh­sen­dung, von der sich inter­na­tio­na­le Stars in first class loun­ges, Fes­ti­val-Back­stage-Berei­chen und bei Preis­ver­lei­hung fas­sungs­los erzäh­len, vor einem spre­chen­den Büh­nen­bild (ja, in der Tat: ein bren­nen­des Haus) einen Auf­tritt mit dem „Tiger“ zu absol­vie­ren, bei dem sie so tun, als wür­den sie gera­de ihre Ver­si­on von „Bur­ning Down The House“ live per­for­men. Ich kann­te das Ori­gi­nal von den Tal­king Heads nicht (und war, als ich es dann end­lich irgend­wann mal hör­te, nicht son­der­lich beein­druckt), aber die­ser Auf­tritt ließ mich direkt am dar­auf­fol­gen­den Mon­tag zu R&K in Dins­la­ken fah­ren und „Rel­oad“ doch noch kau­fen.

Das Album war für mich der Erst­kon­takt mit Acts wie The Divi­ne Come­dy, Baren­aked Ladies, Port­is­head, Cata­to­nia und Ste­reo­pho­nics und die ers­te CD in mei­ner Samm­lung, auf der The Car­di­gans und James Dean Brad­field von den Manic Streets Pre­a­chers zu hören waren – Acts, bei denen ich, wie auch bei Rob­bie Wil­liams, in der Fol­ge einen gewis­sen Hang zum Kom­plet­tis­mus ent­wi­ckeln soll­te. Es mach­te mich nicht nur mit „Bur­ning Down The House“ bekannt, son­dern auch mit Songs wie „All Mine“ (Port­is­head), „Never Tear Us Apart“ (INXS) und wahr­schein­lich auch „Lust For Life“ (Iggy Pop). Kurz­um: Es war ein Crash­kurs in Sachen Pop­kul­tur der vor­an­ge­gan­ge­nen Jahr­zehn­te und der Gegen­wart.

„Are You Gon­na Go My Way“ (Len­ny Kra­vitz) mit Rob­bie Wil­liams wirk­te nicht nur wegen des Titels wie die Über­ga­be eines Staf­fel­stabs. „Some­ti­mes We Cry“ von und mit Van Mor­ri­son, der als Ein­zi­ger einen sei­ner eige­nen Songs sang, rührt mich bis heu­te. James Dean Brad­field von den Manic Streets Pre­a­chers lie­fert bei „I’m Left, You’­re Right, She’s Gone“ (Elvis Pres­ley) eine der bes­ten Gesangs­leis­tun­gen sei­ner Kar­rie­re ab (Tom Jones schreibt, wenn ich das rich­tig erin­ne­re, in sei­ner Auto­bio­gra­phie, dass er Angst hat­te, ein Duett mit einem so begna­de­ten Sän­ger zu sin­gen, und ganz ehr­lich: Wenn Ihr kei­ne Gän­se­haut bekommt, wenn JDBs Stim­me zum ers­ten Mal in den Song rein­grätscht, kann ich Euch auch nicht hel­fen!). Selbst die Ideen, die auf dem Papier schlecht wir­ken, funk­tio­nie­ren im (hof­fent­lich weit auf­ge­dreh­ten) Laut­spre­cher: Soll­te man Iggy Pops „Lust For Life“ covern? Nein. Außer, wenn Chris­sie Hyn­de von The Pre­ten­ders und Tom Jones sin­gen. Dann unbe­dingt.

Dass ein Album mit 17 Tracks so sei­ne Län­gen hat, lässt sich schwer ver­mei­den: „Ain’t That A Lot Of Love“ mit fuck­ing Sim­ply Red? „She Dri­ves Me Cra­zy“ mit Zuc­che­ro? Ist doch schön, wenn Tom Jones so vie­le ange­sag­te Acts zum Mit­wir­ken bewe­gen konn­te!

Der gro­ße Hit, der zu einem spä­ten signa­tu­re song wer­den soll­te, war indes ein ande­rer: „Sex Bomb“, die ein­zi­ge Neu­kom­po­si­ti­on des Albums, aus der Feder des Han­no­ve­ra­ner Musik­pro­du­zen­ten Mousse T., der mit sei­nem Debüt-Hit „Hor­ny ’98“ bereits gezeigt hat­te, dass er stump­fes Rumpf-Gemumpf extrem cool und club­taug­lich klin­gen las­sen konn­te. Heu­te wür­de man anders dar­über den­ken, wenn ein 59-jäh­ri­ger Mann mit gefärb­tem Haupt­haar einer mut­maß­lich sehr viel jün­ge­ren Frau den Refrain „Sex­bomb, sex­bomb you’­re a sex­bomb /​ You can give it to me, when I need to come along /​ Sex­bomb, sex­bomb you’­re my sex­bomb /​ And baby you can turn me on“ ange­dei­hen las­sen woll­te, aber man muss Pop­kul­tur immer aus ihrem Zeit­geist lesen, wenn man sie irgend­wie ver­ste­hen will, und der Zeit­geist der aus­ge­hen­den 1990er Jah­re war eben so, dass ich ihn auf einer Web­site, die auch Min­der­jäh­ri­ge besu­chen kön­nen, schlecht aus­for­mu­lie­ren kann.

Ein­mal ange­fixt, tauch­te ich natür­lich in das Gesamt­werk des wali­si­schen Tigers ein – und, mei­ne Güte, waren da Hits, Hits, Hits! Gut: Die Mör­der­bal­la­de „Deli­lah“ wur­de in den letz­ten Jah­ren von Sport­ver­an­stal­tun­gen ver­bannt und auch die Sujets manch ande­rer Songs sind schlecht geal­tert, aber die­se Stim­me, die immer über irgend­wel­chen Sta­te-of-the-art-Arran­ge­ments schweb­te, lässt zumin­dest mich einen Tacken mehr durch­ge­hen las­sen als es bei ande­ren Acts der Fall wäre.

Tom Jones war – nach den Prin­zen 1994 – tat­säch­lich das zwei­te gro­ße Pop­kon­zert, das ich in mei­nem Leben besuch­te (im Mai 2000 mit mei­nen Eltern und mei­nem Bru­der in der Are­na Ober­hau­sen; das Kon­zert­pla­kat, das mein Vater auf dem Heim­weg von einem Maschen­draht­zaun abmon­tier­te, könn­te immer noch im Kel­ler mei­ner Eltern ste­hen) und auch wenn natür­lich kei­ner der „Reload“-Gäste dabei war, war es ein Erleb­nis. Jones leg­te in der wei­te­ren Fol­ge einen beein­dru­cken­den drit­ten (oder vier­ten oder fünf­ten) Kar­rie­re-Akt hin, indem er auf­hör­te, sei­ne Haa­re zu fär­ben, und begann, Folk- und Ame­ri­ca­na-Alben auf­zu­neh­men (ich habe im letz­ten Jahr zufäl­lig fest­ge­stellt, dass er eine Ver­si­on von „Char­lie Dar­win“ von The Low Anthem ver­öf­fent­licht hat!). Das hat­te Fol­gen, denn als ich ihn zum zwei­ten Mal live sah, spiel­te er die meis­ten sei­ner Klas­si­ker in kaum wie­der­zu­er­ken­nen­den Arran­ge­ments. Das Publi­kum wirk­te ein biss­chen ent­täuscht, aber mit damals schon 79 Jah­ren hat­te er sich das Recht erar­bei­tet, sei­ne Songs der­art zu dylani­sie­ren. Der über­ra­schen­de Ort die­ses über­ra­schen­den Auf­tritts: das Burg­thea­ter Dins­la­ken.

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Tom Jones – Rel­oad
(Gut/​V2, 16. Sep­tem­ber 1999)
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Musik

Song des Tages: The Divine Comedy – Perfect Lovesong

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Zum ers­ten Mal gehört: Auf dem Hald­ern Pop 2001 (das mit dem bes­ten Line-Up aller Zei­ten: Tra­vis, The Divi­ne Come­dy, Neil Finn, Star­sail­or, Muse [damals noch gut], Slut, Black­mail, …), danach den gan­zen Som­mer über. Auch heu­te über­kommt mich ein sehr ent­spannt-som­mer­li­ches Gefühl, wenn ich den Song und das dazu­ge­hö­ri­ge Album „Rege­ne­ra­ti­on“ höre.

Wer musi­ziert da? Der Nord­ire Neil Han­non und eine wech­seln­de Trup­pe Musi­ker, bes­ser bekannt als The Divi­ne Come­dy.

War­um gefällt mir das? Zunächst ein­mal ist es musi­ka­lisch zucker­süß, ohne weh zu tun, aber ich lie­be auch die­se text­li­che Meta-Ebe­ne: Es ist ein Lied übers Song­schrei­ben und über die Wir­kung von Musik (Han­non hat­te das bei „Songs Of Love“ zuvor schon mal gemacht). Und dann ist da noch der ein­zi­ge mir bekann­te Ein­satz einer Block­flö­te in der Pop­mu­sik über­haupt!

Außer­dem erin­nert mich das Lied an die Zei­ten, als das Hald­ern Pop Fes­ti­val der jähr­li­che Fix­punkt in mei­nem Kalen­der war. Ich habe dort groß­ar­ti­ge Auf­trit­te gese­hen und eini­ge Musi­ker inter­viewt – dar­un­ter 2006 auch Neil Han­non. Obwohl die Besu­cher­zah­len gleich blei­ben, ist mir das Fes­ti­val mit den Jah­ren zu groß gewor­den: Zu vie­le Büh­nen, zu früh aus­ver­kauft, zu vie­le Hips­ter. Ich ver­ste­he inzwi­schen auch nicht mehr, war­um man die gan­ze Tech­nik auf eine (zuge­ge­be­ner­ma­ßen idyl­li­sche) Wie­se ver­frach­tet, wo man in neun von zehn Jah­ren Pech mit dem Wet­ter hat, anstatt Kon­zer­te in der dafür vor­ge­se­he­nen Infra­struk­tur abzu­hal­ten. Fes­ti­vals sind eben was für Men­schen unter 30 – aber wenn ich noch ein­mal zu einem hin­fah­ren soll­te, dann wahr­schein­lich zum Hald­ern. Die­ses Jahr jedoch nicht (obwohl das Line-Up mit Pat­ti Smith, First Aid Kit, Conor Oberst, Fink, Ale­xi Mur­doch, Grant Hart und Sun Kil Moon end­lich mal wie­der recht gelun­gen ist). Viel Spaß!

PS: Es schmerzt auch nach mehr als zwölf Jah­ren noch, das Viva-Zwei-Logo in dem Video da oben zu sehen!

[Alle Songs des Tages]

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Gesammelte Platten Mai 2010

Die­ser Ein­trag ist Teil 5 von bis­her 8 in der Serie Gesam­mel­te Plat­ten

Band Of Hor­ses – Infi­ni­te Arms
Bei „All Songs Con­side­red“ spre­chen sie längst nur noch von „bär­ti­ger Musik“, wenn bär­ti­ge jun­ge Män­ner auf ihre Gitar­ren ein­dre­schen und mehr­stim­mig melan­cho­li­sche Songs schmet­tern. Band Of Hor­ses hal­ten die­se Grund­re­geln auch auf ihrem drit­ten Album ein, was sich aber bedeu­tend lang­wei­li­ger liest, als es sich anhört. Musi­ka­lisch irgend­wo zwi­schen Nada Surf, Built To Spill und Fleet Foxes wird eher geschwelgt als gerockt: Weit­ge­hend sehr ent­spannt pen­delt „Infi­ni­te Arms“ zwi­schen Ent­spannt­heit und Melan­cho­lie und wäre damit ten­den­zi­ell eher ein Herbst-Album, aber gute Musik ist jah­res­zeit­los schön.
Anspiel­tipps: „Fac­to­ry“, „On My Way Back Home“, „Evening Kit­chen“, „Bart­les + James“. (LH, Rezen­si­ons­exem­plar)

Beach Fos­sils – Beach Fos­sils
Beach Fos­sils klin­gen wie vor vier­zig Jah­ren oder wahl­wei­se eben auch wie Real Estate, die Pro­duk­ti­on ist rau­schig und ver­mumpft, und so rich­tig Dri­ve ist da auch nicht drin. Und trotz­dem sind sie groß­ar­tig. Andau­ernd muss ich sie hören, was viel­leicht etwas weni­ger mit der Musik zu tun hat als viel mehr mit einem in mir lan­ge ver­lo­ren geglaub­ten Ent­span­nungs­ge­fühl beim Hören lah­mer, halb­psy­che­de­li­scher Trend-Indie­mu­sik zusam­men hängt. So ein Meta-Moment, in dem mir rela­tiv wurscht wird, ob das, was ich höre, hoch­gra­dig inno­va­tiv ist oder nicht. Ein biss­chen wie Vel­vet Under­ground auch und Joy Divi­si­on, falls Sie da Refe­ren­zen brau­chen.
Anspiel­tipps: „Day­d­ream“, „Win­dow View“, „Wide Awa­ke“. (MS)

The Black Keys – Brot­her
Man bräuch­te ein Beam­ge­rät. Das den­ke ich so oft. Ein­fach rein und zack! ist man am gewünsch­ten Ort und muss nicht der Bahn das Geld in den Rachen wer­fen. Die­se Insti­tu­ti­on trans­por­tiert eh nur noch Mil­lio­nä­re, die­ser Tage. Lei­der gibt es noch kein Beam­ge­rät, aber das neue Album der Gebrü­der Black Keys ist ein klei­ner Ver­such.
Wenn man auf Play drückt, ertönt ein blue­si­ger Gitar­ren­sound aus den 70ern und beamt sich dann mal schnell ins Zeit­al­ter des Gara­gen­rock um dann wei­ter zu hüp­fen ins Jetzt. Sie neh­men aus den Jah­ren des Rock ein­fach das Bes­te mit.
„Brot­hers“, das sechs­te Werk mit dem super Cover, das nur den Titel trägt: „This is an album by The Black Keys. The name of the album is Brot­hers.“, ist viel­leicht das smoot­hes­te bis jetzt. Dan Auer­bach und Patrick Car­ney lie­fern ab.
Sie haben den dre­cki­gen Sound ihrer Vor­gän­ger­al­ben mit ein wenig fun­ky Smooth gekop­pelt, „Sinis­ter Kid“ drischt und macht lust auf Tan­zen bis man nicht mehr kann. Bei „Tigh­ten Up“ haben die bei­den sich Dan­ger Mou­se ins Stu­dio gebeamt und mei­nen unglaub­lich lang­wie­rigs­ten Ohr­wurm erschaf­fen (auch das Video dazu ist nur zu Emp­feh­len).
Oder man beamt sich ein wenig in ein Zeit­kon­ti­nu­um, in dem man die Zeit mal ver­gisst und ein­fach die­se super Plat­te genießt.
High­lights: „Tigh­ten Up“, „Sinis­ter Kid“. (AK)

The Divi­ne Come­dy – Bang Goes The Knight­hood
Ich bin ein wenig in Sor­ge, dass ich schon sehr bald nur noch neue Alben von Bands kau­fen wer­de, die ich sowie­so schon ken­ne und schät­ze, dass ich die­se Alben ein paar Mal hören und dann sagen wer­de: „Ja, schön, aber die hat­ten auch schon bes­se­re …“ Nun ja, wer ein Divi­ne-Come­dy-Album kauft, weiß, was ihn erwar­tet und genau das bekommt er auch: Luf­ti­gen Pop mit eher baro­cker Instru­men­tie­rung, intel­li­gen­te Tex­te und viel bri­ti­schen Stil – also ein biss­chen wie die Pet Shop Boys in ana­log. Neil Han­non macht also unge­fähr da wei­ter, wo er vor vier Jah­ren auf „Vic­to­ry For The Comic Muse“ auf­ge­hört hat (kul­mi­nie­rend im gro­ßen Selbst­zi­tat „The Lost Art Of Con­ver­sa­ti­on“), und das ist ja nicht das Schlech­tes­te. Die rich­tig her­aus­ra­gen­den Songs feh­len bis auf die Sin­gle „At The Indie Dis­co“ ein wenig, dafür ist der Ope­ner „Down In The Street Below“ so laid back wie kaum etwas seit der „Rege­ne­ra­ti­on“.
Anspiel­tipps: „Down In The Street Below“, „At The Indie Dis­co“, „When A Man Cries“, „I Like“. (LH)

Foals – Total Life Fore­ver
Dass ich mal was über Mathe schrei­ben wür­de. Aber die Her­ren Foals aus dem Ver­ei­ni­gen König­reich haben mit ihrer neu­en Plat­te „Total Life Fore­ver“ und ihrem Math-Rock ein­fach mit­ten in mein der­zei­ti­ges Elek­tro-Rock-Herz getrof­fen. Seit zwei Wochen lauf ich jetzt schon mit der Plat­te durch die Stra­ßen und grin­se in mich rein, wenn ich von den Beats im Ohr ange­feu­ert wer­de.
Bei „Spa­nish Saha­ra“ hal­te ich dann inne, weil ich jedes mal sowas von über­rum­pelt wer­de, wenn bei 4:12 ein Sound ein­setzt, der wie Som­mer­re­gen und Wun­der­ker­zen klingt. Jedes­mal bleib ich ste­hen oder schlie­ße die Augen und lass die­ses Lied über mich reg­nen. Das Kon­zept geht auf, wahn­sin­nig geni­al kom­po­nier­te Melo­dien gepaart mit einem super Schlag­zeug und der Stim­me von Sän­ger Yan­nis Phil­ip­pa­kis erzeu­gen ein­fach eine per­fek­te Gän­se­haut.
Es ist die­se Mischung aus futu­ris­ti­scher Welt­an­schau­ung und trotz­dem an alten Din­gen fest­hal­ten. Das Album passt als Gesamt­werk wun­der­bar zusam­men. Die Songs neh­men sich nichts weg, son­dern zei­gen ver­schie­de­nen Per­sepek­ti­ven und wer­fen neu­es Licht auf die Welt. Schö­ne Welt da, bei den Foals.
Anspiel­tipps: „Black Gold“, „Spa­nish Saha­ra“, „Ala­bas­ter“. (AK)

Gis­bert zu Knyphau­sen – Hur­ra! Hur­ra! So nicht
Men­schen kom­men und gehen und die wenigs­ten blei­ben. Die meis­ten gehen wie­der und die aller­we­nigs­ten las­sen etwas zurück. Mit Herrn zu Knyphau­sen war das ähn­lich. Ihn brach­te mir jemand mit, der dann wie­der ging, und er war einer der weni­gen, die gin­gen und etwas da lie­ßen, und so denk ich immer auch ein wenig an ihn, wenn ich Gis­bert höre.
Wenn wir jetzt in die neue Plat­te rein­sprin­gen, dann merkt man, dass Herr Knyphau­sen ein wenig ver­schmit­zer gewor­den ist („Es ist still auf dem Park­platz Krach­gar­ten“). Ähn­lich wie Dami­en Rice, der ein­mal in einem Inter­view sag­te, er wür­de nicht ewig nur trau­ri­ge Lie­der schrei­ben kön­nen, weil er gar nicht so melan­cho­lisch ist. Und so geht es mir mit Gis­berts zwei­tem gro­ßen Album „Hur­ra! Hur­ra! So nicht“. Natür­lich sind die Töne nach­denk­lich und beschrei­ben die­se Gefühls­nost­al­gie und Momen­te, aber es schwingt jetzt auch Opti­mis­mus in den Lie­dern mit. Auch das typi­sche Knyphau­sen-jaja­ja­ja ist dabei und das Talent, die irr­wit­zi­gen Momen­te des Lebens ins Bil­der umzu­bas­teln.
Es ist jetzt nicht mehr nur Gis­bert mit sei­ner Gitar­re, nein, es ist auch ein Schlag­zeug und ein Bass dabei! Und wenn mir auch die alten Lie­der des­halb so gefal­len haben, weil es nur er, die Gitar­re und du waren, so muss ich doch sagen, dass das Arran­ge­ment sehr gut gewor­den ist! Die Lie­der packen an der rich­ti­gen Stel­le, das Schlag­zeug morst die klei­nen musi­ka­li­schen Bot­scha­fen direkt ins Ohr und ins Herz. Die neue Plat­te ist gut, rich­tig gut!
Anspiel­tipps: „Grau Grau Grau“, „Es ist still auf dem Park­platz Krach­gar­ten“, „Krä­ne“. (AK)

The Natio­nal – High Vio­let
Eigent­lich hat­te ich ja bereits Anfang Mai ein paar hun­dert lob­prei­sen­de Absät­ze über die­ses Album geschrie­ben und eigent­lich nicht gedacht, dass da noch etwas hin­zu­zu­fü­gen sein könn­te. An mei­ner per­sön­li­chen Wer­tung, die objek­tiv irgend­wo bei 100 von 5 Ster­nen liegt, weil das halt ein­fach so ist, hat sich auch nichts geän­dert. Viel­leicht ist es aber ganz gut, mei­nen Anfangs­ein­druck nach mitt­ler­wei­le fast mehr­mo­na­ti­gem Hören und auch mal Nicht­hö­ren auf den neu­es­ten Stand zu brin­gen: Ent­ge­gen aller mei­ner Erwar­tun­gen über­sprin­ge ich den unty­pi­schen Ope­ner „Ter­ri­ble Love“ immer noch nicht, wenn ich das Album höre. Was für ein Knal­ler, mit einer Demo-Auf­nah­me anzu­fan­gen, wenn man sei­ne fünf­te LP ver­öf­fent­licht. In der Süd­deut­schen Zei­tung stand über „High Vio­let“: Kon­sens­rock. Mit schlech­ter Note. Ich mag mich irren, aber ist etwas von vorn­her­ein als lang­wei­lig zu ver­ur­tei­len, wenn jeder es irgend­wie hören kann, ohne sich über­ge­ben zu müs­sen? Oder weil die Gitar­ren einem nicht das Gehör zer­sä­gen, son­dern man sie sozu­sa­gen erst­mal suchen muss? Wei­ter möch­te ich mich gar nicht auf­re­gen. Super Sache, das Album! (MS)

The New Por­no­graph­ers – Tog­e­ther
Ein­mal Kana­di­er sein! Man stellt sich auf die Stra­ße vor die eige­ne Haus­tür, hebt kaum merk­lich für ein bis zwei Sekun­den die Hand, sagt etwas wie „Ich habe eine Gitar­re da drin, möch­te von euch viel­leicht irgend­wer mit­spie­len?“ und schwupps, hat man ein Orches­ter in der Hüt­te. Kei­ne Beschwer­den bit­te, die­se Vor­stel­lung bestä­tigt sich qua­si allei­ne, also ohne Stütz­rä­der, sozu­sa­gen von selbst, unge­fragt, wenn Sie mögen, wenn man sich nur mal Bro­ken Social Sce­ne anschaut und den Baum von Quer­ver­wei­sen, Zita­ten, Mit­glie­der­wech­seln, Aus­hilfs­gi­tar­ris­ten, Sän­ge­rin­nen und Sän­gern und so wei­ter ver­sucht nach­zu­voll­zie­hen, ohne dabei zumin­dest einen Notiz­block zu haben. Ein kaum über­wind­ba­rer Arbeits­berg. Zurück zum The­ma. The New Por­no­graph­ers bestehen, lässt man die halt­lo­se Anschul­di­gung, es han­de­le sich dabei um Sän­ger Carl New­man mit Gäs­ten, aus drei haupt­säch­lich mit Song­wri­ting und Sin­gen beschäf­tig­ten Men­schen, von denen A.C., oder Carl, New­man nur einer ist, und einer Rei­he wei­te­rer Musi­ker. Die übri­gen bei­den Song­schrei­ber der Band sind Neko Case, die vor nicht all­zu­lan­ger Zeit mit dem Solo­al­bum „Midd­le Cyclo­ne“ ein ganz schön tol­les Ding abge­lie­fert hat, und Dani­el Bejar, dem ein­zi­gen fes­ten Mit­glied der auch gar nicht so mar­gi­nal bekann­ten Band Des­troy­er. Hät­te ich das Bedürf­nis, geohr­feigt zu wer­den, wür­de ich für die New Por­no­graph­ers also ein Wort benut­zen, das mit S anfängt und mit uper­group auf­hört, aber ich bin ja nicht von allen guten Geis­tern ver­las­sen. Was soll die­se gan­ze Ein­lei­tung? Man erwar­tet von einer Band mit solch einem Kalei­do­skop der Eigen­köp­fig­keit und Solo­plat­ten­er­fah­rung mög­li­cher­wei­se eine ver­kopf­te, anstren­gen­de, über­kan­di­del­te Ver­öf­fent­li­chung nach der ande­ren. Das Bemer­kens­wer­te ist, dass „Tog­e­ther“ weni­ger eitel nicht sein könn­te. Es klingt, als wäre Carl New­man damals nicht nur ein­fach auf die Stra­ße gelau­fen, um Leu­te zu suchen, die mit ihm musi­zie­ren wol­len, son­dern hät­te in der Fra­ge auch ganz ein­deu­tig noch die For­mu­lie­rung „Bit­te bringt eine Tüte gute Lau­ne pro Per­son mit!“ benutzt. Ein hoch­gra­dig erhei­tern­des und schö­nes Album ist das hier. Wenn hier über­haupt ein Kon­zept durch­ge­zo­gen wer­den soll­te, dann ver­mut­lich ein­fach das, einen Rie­sen­spaß zu haben. Hat man die Band ein­mal live gese­hen, ver­dich­tet sich die­ser Ein­druck zusätz­lich, was lei­der manch­mal zu einem Hauch Schü­ler­band­ge­fühl führt. Muss ja aber auch nichts Schlim­mes sein.
Anspiel­tipps: „Val­ky­rie In The Rol­ler Dis­co“, „Crash Years“, „We End Up Tog­e­ther“. (MS)

Mit­ar­beit an die­ser Aus­ga­be:
AK: Anni­ka Krü­ger
LH: Lukas Hein­ser
MS: Mar­kus Steidl