Irgendwann so 1999/2000, als ich wie ein Wahnsinniger CDs aus der Stadtbibliothek nach hause geschleppt habe um kurz reinzuhören und mir dann meine Favoriten als MP3 auf die Festplatte zu packen.
Wer musiziert da? Savage Garden. Zwei Australier, die für … äh … „gefälligen Radiopop“ berühmt waren.
Warum gefällt mir das? Hauptsächlich wegen des Textes. Es ist, wie der Titel schon nahelegt, ein Glaubensbekenntnis, das grandios zwischen Kalenderblattweisheiten und echter Lebenshilfe oszilliert: „I believe that junk food tastes so good because it’s bad for you / I believe your parents did the best job they knew how to do“. Musikalisch ist das natürlich super-cheesy (sogar schlimmer, als ich es in Erinnerung hatte), aber ich freu mich immer noch, wenn der Song im Radio läuft.
Irgendwann im Sommer 2000, als der Song im Radio rauf und runter lief.
Wer musiziert da? Eine Band aus Eastbourne, die damals vor allem im Vereinigten Königreich unfassbar erfolgreich, aber nie wirklich kredibel war. Die Band gibt’s übrigens wieder. Bei dem Song handelt es sich um ein Cover, das Original stammt von der amerikanischen Band King Harvest.
Warum gefällt mir das? Heute vor allem aus nostalgischen Gründen. Es errinnert mich an den Spätsommer und Herbst 2000, als ich mich an den Wochenenden abends mit meinen Freunden am Rhein getroffen habe. Dieses Lied lief damals ständig im Radio, auf Kassette oder MD (Mini Disc, das waren so kleine Plastikdinger, wo man Musik drauf aufnehmen konnte – keine Ahnung, was das sollte) und später auch auf CD, weil ich das Album zum Geburtstag bekam. Musik hatte damals noch eine viel längere Haltbarkeit und so haben mich „Dancing In The Moonlight“ und „Onkas Big Moka“ lange begleitet.
Der Song und das Video sind auch Dokumente einer Zeitenwende: Das hier sind, obwohl das Album im Jahr 2000 erschien, eindeutig noch die Neunziger. Die Produktion (Das Orgelsolo! Die Congas! Das Schlagzeug!) und der Look (Die Lederjacke! Die Koteletten! Sogar das verdammte Haus, in dem dieses Video spielt und in dem ich damals unbedingt wohnen wollte!) atmen noch voll den Geist von Cool Britannia, der hier allerdings schon deutlich angestaubt ist und schon beinahe ausschließlich als Zitat (nicht) funktioniert. Das waren Zeiten!
Irgendwann im Jahr 2003. Ich meine, dass das irgendwie mit dem Buch „31 Songs“ von Nick Hornby zusammenhing, kann den Zusammenhang gerade aber nicht mehr richtig rekonstruieren.
Wer musiziert da? Kathleen Edwards, eine kanadische Singer/Songwriterin, und wahrscheinlich meine Lieblingssängerin. Ich kann alle ihre Alben empfehlen, gerne auch „Voyageur“, das Justin Vernon von Bon Iver produziert hat.
Warum gefällt mir das? Ich mag den Sound, ich liebe diese Stimme und der Text hat so eine unglaubliche Tragik, die man beim ersten Hören jetzt vielleicht nicht unbedingt erwarten würde.
Anfang 2003, als der Song auf der Bandhomepage zum kostenlosen Download zur Verfügung stand. Glaube/Hoffe ich.
Wer musiziert da? Estrich Boy, eine nach einer Baumaschine benannte Band aus der niederrheinischen Retortenstadt Voerde. Eine Band, die schon mehrfach den großen Durchbruch hätte schaffen sollen, dies aber leider noch nicht geschafft hat. Was aus denen wohl geworden ist? Über die Bedeutung Voerdes (und dort: insbesondere die der „Stockumer Schule“ und des Clubs „Rolling Stone“, später „Index“ und „The Hamburger Schule Club“) für die Musikszene sind meines Erachtens übrigens noch nicht genug Bücher geschrieben worden. Das gilt es nachzuholen, mit Dinslaken als vergleichsweise kurzem Kapitel.
Warum gefällt mir das? Das ist die Musik, die wir damals „Emo“ nannten, und die sich auch genauso anfühlte. Das Lied fiel in die Zeit von Zivildienst und Warten auf den Studienbeginn, in der Zeilen wie „There is so much to do / So I better don’t do anything at all / I’d better do nothing“ perfekt passten. Ich liebe es, wie sich dieses Lied immer weiter steigert und die Gitarren in jedem Durchgang von Strophe und Refrain neu klingen und mit anderen Rhythmen um die Ecke kommen.
Auf dem Haldern Pop 2001 (das mit dem besten Line-Up aller Zeiten: Travis, The Divine Comedy, Neil Finn, Starsailor, Muse [damals noch gut], Slut, Blackmail, …), danach den ganzen Sommer über. Auch heute überkommt mich ein sehr entspannt-sommerliches Gefühl, wenn ich den Song und das dazugehörige Album „Regeneration“ höre.
Wer musiziert da? Der Nordire Neil Hannon und eine wechselnde Truppe Musiker, besser bekannt als The Divine Comedy.
Warum gefällt mir das? Zunächst einmal ist es musikalisch zuckersüß, ohne weh zu tun, aber ich liebe auch diese textliche Meta-Ebene: Es ist ein Lied übers Songschreiben und über die Wirkung von Musik (Hannon hatte das bei „Songs Of Love“ zuvor schon mal gemacht). Und dann ist da noch der einzige mir bekannte Einsatz einer Blockflöte in der Popmusik überhaupt!
Außerdem erinnert mich das Lied an die Zeiten, als das Haldern Pop Festival der jährliche Fixpunkt in meinem Kalender war. Ich habe dort großartige Auftritte gesehen und einige Musiker interviewt – darunter 2006 auch Neil Hannon. Obwohl die Besucherzahlen gleich bleiben, ist mir das Festival mit den Jahren zu groß geworden: Zu viele Bühnen, zu früh ausverkauft, zu viele Hipster. Ich verstehe inzwischen auch nicht mehr, warum man die ganze Technik auf eine (zugegebenermaßen idyllische) Wiese verfrachtet, wo man in neun von zehn Jahren Pech mit dem Wetter hat, anstatt Konzerte in der dafür vorgesehenen Infrastruktur abzuhalten. Festivals sind eben was für Menschen unter 30 – aber wenn ich noch einmal zu einem hinfahren sollte, dann wahrscheinlich zum Haldern. Dieses Jahr jedoch nicht (obwohl das Line-Up mit Patti Smith, First Aid Kit, Conor Oberst, Fink, Alexi Murdoch, Grant Hart und Sun Kil Moon endlich mal wieder recht gelungen ist). Viel Spaß!
PS: Es schmerzt auch nach mehr als zwölf Jahren noch, das Viva-Zwei-Logo in dem Video da oben zu sehen!
Sorry, da ist die Serie jetzt mal ganz amtlich gerissen. Aber es gibt einfach auch wichtigere Dinge, als irgendwelchen Kram ins Internet zu schreiben!
Zum ersten Mal gehört: Am Mittag des 24. August 2001, als ich endlich das Rezensionsexemplar von „Rockin‘ The Suburbs“ in den Händen hielt, des für den 11. September angekündigten Solodebüts von Ben F… aber das hab ich ja alles schon mal aufgeschrieben.
Wer musiziert da? Ben Folds, damals frisch gebackener Ex-Bandleader des inzwischen wiedervereinigten Trios Ben Folds Five, und einer meiner ganz großen musikalischen Helden.
Warum gefällt mir das? It’s Ben Folds, stupid! Außerdem ist „Everybody knows it sucks to grow up / But everybody does“ eine der besten, allgemeingültigen Zusammenfassungen vom Erwachsenwerden, aber gleichzeitig auch sehr tröstend. Und auch musikalisch ist das ja wohl allererste Güte – vor allem wenn man bedenkt, was junge Eltern sonstsoverzapfen. Fast 13 Jahre lang hab ich davon geträumt, den Song eines Tages meinem Sohn vorzuspielen oder ‑singen. Er fand’s glaub ich ganz okay.
Im Sommer 2009, als ich im Fernsehen zufällig eine Dokumentation sah, von der ich erstens nicht mehr weiß, worum es genau ging, und die ich zweitens trotz längerer Recherche nicht mehr wiedergefunden habe. Am Ende war jedenfalls die (kranke) Hauptperson gestorben, dieser Song lief und ich saß da mit großen Augen und Kloß im Hals und musste das Lied dann auch sofort haben. Es ist seitdem immer auf meinem iPod.
Wer musiziert da? Eine amerikanische Singer/Songwriterin, von der ich sonst exakt nichts kenne oder weiß, aber wir können den Wikipedia-Eintrag mal zusammen durchgehen.
Warum gefällt mir das? Das ist nicht mehr melancholisch, das ist nur noch abgrundtief traurig. Man kann sich die Dramen und die Trauer hinter den Lyrics nur vorstellen, aber irgendwo schwingt da am Ende doch noch Hoffnung mit. Eigentlich braucht man nach dem Lied einen Schnaps, um sich wieder zu beruhigen.
Vor ungefähr einer halben Stunde. Seitdem auf heavy rotation.
Wer musiziert da? Andre McMahon, der frühere Sänger von Something Corporate und Jack’s Mannequin, der mich jetzt schon seit mehr als zehn Jahren mit seiner Musik durch mein Leben begleitet und dem ich mich sehr verbunden fühle.
Warum gefällt mir das? Nun ja: Es ist Andrew McMahon. Das Lied richtet sich an seine Tochter Cecilia, die im Februar geboren wurde, und auch wenn es fast immer richtig schief geht, wenn Musiker Lieder für oder über ihre Kinder schreiben, bin ich froh, dass es bei Andrew McMahon fast so gut gegangen ist wie bei meinem anderen Piano-Helden, Ben Folds.
Andrew McMahon hat zu dem Song ein paar Liner Notes veröffentlicht, die ich an dieser Stelle nicht unzitiert lassen möchte:
I’ve been writing music most of my life. Songs have always been the place where I’ve sorted out the events of day. If you trace these songs back far enough they tell a story of where I’ve been and what I’ve seen along the way. That said, most people don’t have the time to sort through the hundreds of songs that have collected in the wake of my 20 plus years behind a piano, and that’s why I love „Cecilia and the Satellite“. As a song it encapsulate so much living against the back drop of a new life. Cecilia was written with the knowledge that my wife and I would soon meet our first child. With the hope of avoiding territory this type of song often treads, I tried to create a road map of the life I had lived leading up to that moment. One my daughter might look back on some day. A strange life of constant motion, spent traveling in the pursuit of music. A life I’ve nearly lost on more than one occasion and one which I am thankful for, now more than ever. Deep down this song is about more than me and where I’ve been, it’s about more than my daughter and what I want for her. It’s about being proud of where you come from and wanting the most for the people you share your world with.
Die Produktion ist (wie schon bei Andrew McMahons Solo-Debüt-EP „The Pop Underground“) vielleicht ein bisschen sehr plastikhaft und elektronisch, aber: Dieses „Such Great Heights“-Pulsieren! Diese Trommeln-und-Chöre-Passage! Satelliten! Das ist Musik, genau für mich gemacht.
Zum ersten Mal gehört: Irgendwann im Herbst 2007 vermutlich, zur Veröffentlichung von „Change“, dem fünften Album der Sugababes.
Wer musiziert da? Die britische Girlgroup Sugababes in ihrer dritten Inkarnation (Keisha, Heidi und Amelle). Zwei der Gründungsmitglieder hatten die Band damals schon verlassen, seit 2009 sind alle drei weg. Auf dem siebten Sugababes-Album besteht die Band also aus drei komplett anderen Frauen als auf dem ersten, wohingegen die drei Originalmitglieder (Mutya, Keisha und Siobhan) seit 2011 wieder in einer neuen Band (Mutya Keisha Siobhan) Musik machen. Das ist so herrlich absurd, dass nicht mal die Beach Boys und Journey da mithalten können.
Warum gefällt mir das? Das fängt schon mit diesem (zugegebenermaßen sehr plastikhaften) Beat an, der auffallende Parallelen zum Intro von „Hard To Explain“ von den Strokes aufweist, hinzu kommen diese Gitarren und dann dieser Refrain, der noch mal eine Schüppe drauflegt. Es ist nicht der beste Sugababes-Song (das ist vermutlich „Overload“, vielleicht auch „Push The Button“), aber es ist einfach ein rundherum gelungener Popsong, so wie „Since U Been Gone“ von Kelly Clarkson und „Call Me Maybe“ von Carly Rae Jepsen. Wir haben den Song damals mit Occident eingeübt, aber nie live gespielt, weswegen ich auch heute noch den kompletten Text mitsingen kann.
Im Sommer 2009, als ich mir das Album „The Chemistry Of Common Life“ nach zahlreichen Empfehlungen endlich gekauft hatte.
Wer musiziert da? Eine Band, deren Namen man im amerikanischen Radio gar nicht nennen darf — sind aber auch Kanadier. Die Liveshows der Band rund um Frontmann Damian Abraham müssen ein Erlebnis sein. Ich hab leider noch keine besucht.
Warum gefällt mir das? Ich mag diese Kombination aus den lauten Gitarren und dem Geschrei auf der einen und die engelsgleichen Chöre auf der anderen Seite. Der Song strotzt – wie eigentlich alle Songs von Fucked Up, die ich kenne – nur so vor Energie.
Ich hätte jetzt „auf Einslive“ gesagt, aber das kommt chronologisch nicht hin. Dann war es vermutlich „Hit Clip“. Jedenfalls erinnere ich mich noch daran, dass mein Onkel, als ich ihn im April 1995 zum ersten Mal in San Francisco besuchte, den Soundtrack zu Robert Altmans „Prêt-à-Porter“ auflegte und dieser Song durch sein Apartment schallte (woran ich selbstverständlich jedes Mal denken muss, wenn ich den Song höre).
Wer musiziert da? Ini Kamoze, ein jamaikanischer Reggae-Musiker. In Wahrheit noch viele andere, denn das Lied steckt voller Samples. Ich weiß noch, wie ich vor ein paar Jahren zum ersten Mal bewusst „Land Of 1000 Dances“ von Wilson Picket hörte und erstaunt feststellte, dass da diese „Naaa-naa-na-na“-Chöre herkamen (also: streng genommen aus der Version von Cannibal & The Headhunters, aber Sie verstehen, was ich meine).
Warum gefällt mir das? Mir gefällt erschreckend vieles von dem, mit dem ich aufgewachsen bin. Ich finde aber, dass der Song auch nach 20 Jahren noch eine ganz eigene Coolness hat, und – zumindest bei mir – sofort gute Laune bringt.
Irgendwann im Herbst 2003, nehme ich an, als die erste Demo von Straylight Run zum kostenlosen Download im Internet veröffentlicht wurde.
Wer musiziert da? John Nolan, der (damals) ehemalige Gitarrist von Taking Back Sunday, seine Schwester Michelle und ein paar andere Musiker aus der New Yorker Emo-Szene (Emo im eigentlichen Sinne, nicht diese Tokio-Hotel-Teenager-Variante. Lesen Sie dazu das Standardwerk „Everybody Hurts“ von Leslie Simon und Trevor Kelley). Die Demo war unfassbar gut, das selbstbetitelte Debütalbum ein Jahr später hatte einige großartige Songs und danach hab ich die Band dann aus den Augen verloren.
Warum gefällt mir das? Nun ja, da wäre zunächst das Klavier … Und dann diese Stimmung, zwischen Melancholie und Aufbruch, die in Melodie und Text („We’re glad for what we’ve got / Done with what we’ve lost / Our whole lives laid out right in front of us“) so wunderbar aufgegriffen werden. Der (schon ziemlich coole) Songtitel ist eigentlich nur die Erklärung zu den Bildern, die da beschrieben werden („When the sun came up / We were sleeping in / Sunk inside our blankets / Sprawled across the bed / And we were dreaming“). Jeder sollte am Tag seiner Abschlussfeier die Sonne wieder aufgehen sehen und von den Leuten umgeben sein, die man bis dahin jeden Tag gesehen hat und die einem alles bedeutet haben. Freundschaften müssen danach nicht enden (und ich nehme an, heutzutage ist es leichter, in Kontakt zu bleiben als … sagen wir: 2002), aber viele tun es eben doch. Wie die Zeilen „Sing like you think no one’s listening“ und „You would kill for this / Just a little bit“ da ineinander verwoben sind, das jagt mir auch nach zehn Jahren im richtigen Moment Gänsehaut über die Arme.
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